La Compagnie des Skowiés Spectacles de marionnettes à fils & ombres chinoises

Comment obtenir une belle obscurité

2015-11-17T12:24:14Z

Comment obtenir le "noir" en plein jour ?

« L'obscurité » est une des conditions sine qua non pour transformer un espace (salle de classe, réfectoire, pièce à vivre) en salle de spectacle…

Rapidement
Simplement
et de manière très efficace ?

En voilà une belle gageur !

L'obscurité, une question récurrente

Voilà quelques années que nous proposons des spectacles d'ombres chinoises et, très souvent, nous nous trouvons confrontés au manque d'obscurité du lieu dans lequel nous sommes programmés ! Bien des techniques ont été utilisées.

Voici un petit récapitulatif des différentes techniques possibles,

leurs avantages
leurs inconvénients !

Les sacs poubelles plastique noir

Avantages

Solution bon marcher
Simple et universel
Les sacs sont réutilisables
Se fixent avec du scotch (en intérieur)

Inconvénients

Reste translucide
Manque d'esthétisme
Inflammable

Conclusion :

L'idée est bonne et a déjà fait ses preuves, mais elle ne répond pas aux normes de sécurité en vigueurs.

Les bâches agricoles

Avantages

Solution sur mesure (véranda)
Simple par sa mise en œuvre
Les bâches sont réutilisables
Se fixent avec du gros scotch
En extérieur cela limite les risques d'ininflammabilité

Inconvénients

Reste parfois translucide
Cette solution doit être anticipée
Nécessite plusieurs personnes pour la mise place
Investissement spécifique

Conclusion :

Très bonne alternative si la bâche est utilisée d'un seul tenant et fixée en extérieur. Bon rapport qualité d'ombre /prix. Cet investissement est modulable et les bâches peuvent se réutiliser.

Les rideaux occultant

Avantage

Solution plus ou moins définitive
Facilement modulable

Inconvénients

Gros investissement
Cette solution doit être bien anticipée
Nécessite d'ignifuger le tissus pour répondre aux normes de sécurité

Conclusion :

La solution des tissus occultant est pérenne. Vous pouvez acheter les tissus ignifugés dans la masse, directement sur internet à un prix abordable. La validité des certificats est permanente, mais il vous sera impossible de laver le tissus à l'eau sans perdre la garantie. Il existe des sociétés qui sont habilités à ignifuger ou ré-ignifuger vos tissus. Vous pouvez également acheter les produits et le faire vous même sous certaines conditions.

Attention :

Tous les tissus ne se ressemble pas et plusieurs produits s'offrent à vous.

Le papier aluminium

Avantage

Répond aux normes de sécurité (Ininflammable)
Parfaitement occultant
Pose simple, rapide en intérieur
Produit universel
Belle esthétisme
Bon isolant contre le chaud

Inconvénients

Solution plus ou moins bon marcher
Les feuilles ne sont pas facilement réutilisables… mais recyclables

Conclusion :

Pour un usage unique ou ponctuel, le papier d'aluminium est de loin et incontestablement la meilleure solution. L'obscurité est totale et répond aux normes de sécurité publique en vigueur…

L'Alu… l'essayer, c'est l'adopter !

Dit moi Tonton, comment tu vas l'accrocher ton papier d'alu ?

Pour faire tenir du papier aluminium sur une vitre, sans colle ni scotch ?

Le plus simplement du monde :

Trouvez un pulvérisateur et remplissez-le avec de l'eau du robinet
Aspergez la surface de la vitre a obscurcir
Prenez le rouleau de papier aluminium
Maintenez le en contacte avec la vitre et coupez le à la bonne longueur
Trouvez une raclette à vitres
Lissez le papier d'aluminium directement sur la vitre avec la raclette
Procédez de la même manière pour des rustines supplémentaires
C'est fini

Model de contrat de cession de droits d'auteur

2013-09-30T19:28:01Z

CONTRAT DE CESSION DE DROITS D'AUTEUR

Contrat conclu entre

Les auteurs compositeurs et interprètes De l'album musical …

Ci-après dénommé le cessionnaire

d'une part :

représentant légal …….

Ci-après dénommé(e) l'auteur

d'autre part : Les Auteurs compositeurs et interprètes de …

Article 1. Objet du contrat

Le présent contrat organise la cession des droits de l'auteur portant sur l'ensemble de L'album : …. auprès de la Sdrm (Département des Droits Phonographiques et Numériques) sous le n° ………/.

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Ainsi que sur différentes sources musicales et accompagnements annexes, spécialement enregistrées en vue de la réalisation d'une bande son musicale pour le spectacle « …… »

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Article 2. Cession des droits de l'auteur

L'auteur cède au cessionnaire, à titre non exclusif, pour une durée de six ans par reconduction tacite et pour le monde entier :

Le droit de reproduire l'œuvre musicale de l'auteur mentionné précédemment, par procédé analogique ou numérique, sur tout support d'enregistrement adéquat, existant ou non à la date de signature du contrat, ceci de manière total ou partiel. Le droit de reproduire l'ensemble de l'œuvre afin de l'insérer en tout ou partie sur internet, dans des sites web ou sur tout autre support possible et nécessaire à la promotion et au développement du projet. Ainsi que le droit de traduction ou de commentaire en toute langue.

Le droit de reproduire le logo ou titre de l'album de l'auteur, par tout procédé de numérisation, sur tout les supports visuels adéquats, existant ou non à la date de signature du contrat, en vue de la promotion et de la reconnaissance de l'œuvre des artistes.

Le droit de représenter et de diffuser tout ou partie de l'œuvre, de ses dérivés ou de ses éventuelles traductions, par tout procédé ; lors de représentation, que ce soit dans un cadre public ou privée, ainsi que par tout autre support de diffusion, analogique ou numérique lors de communications, informations ou promotions publique, radiophonique ou télévisuel, ainsi que sur internet ou tout site web en correspondance avec les objectifs de représentations fixées. Le droit de représenter et diffuser tout ou partie de l'œuvre par tout autre support adéquat, existant ou non à la date de signature du contrat.

Le droit d'adapter, d'arranger ou de modifier l'œuvre musicale de l'auteur afin de l'intégrer au projet de bande sonore du spectacle « …… » et de tout ses dérivés, sur quelque support que ce soit, en vue de la promotion ou distribution du dit projet.

Article 3. Garanties

L'auteur déclare posséder la totalité des droits sur son intervention. Il garantit au cessionnaire la jouissance entière, paisible et libre, des droits cédés contre tous troubles, revendications et évictions. Il déclare notamment que son œuvre est originale et exempte de tout emprunt à une autre œuvre susceptible d'engager la responsabilité du cessionnaire.

Le cessionnaire garantit à l'auteur le respect de son droit moral. Il s'engage à faire figurer le nom de l'auteur et le titre de son intervention de manière lisible pour toute forme d'exploitation. A promouvoir la vente de l'album …. par la création de lien et de mise en valeur sur internet, la création d'un point de vente du CD au siège de la compagnie et lors des différentes manifestations, ainsi que l'éventuel (bande son original) dès sa parution officielle (ces modalités feront l'objet d'une prochaine définition entre les parties concernées)

Le cessionnaire s'engage, dès sa parution, à mettre à disposition de l'auteur les images du spectacle « ….. » en vu de sa promotion personnelle et lui fournira les extraits vidéo nécessaires à la réalisation d'un clip vidéo. Des lors, ….. bénéficiera des mêmes conditions et garanties de jouissances d'images et des devoirs relatifs au respect du droit moral, que la compagnie …. contracte à son égare.

Article 4. Rémunération

La cession des droits de l'auteur est réalisée à titre gratuit.

Article 5. Effet du contrat

Le contrat prend effet à la date de sa signature.

Fait en deux exemplaires à ……………………………………., le ………………………………..

L'auteur

Le cessionnaire

Voir aussi : La bande musicale pour un spectacle

La bande musicale pour un spectacle

2013-09-30T17:10:00Z

Une des grandes difficultés, lors de la conception d'un spectacle, est de trouver la bande sonore et musicale la mieux adaptée à l'ambiance souhaité afin qu'elle puisse accompagner la représentation et en traduire toute l'émotion.

Le droit d'auteur

Le droit d'auteur est reconnu au créateur (compositeur, parolier, arrangeur) d'une œuvre de l'esprit. Pour être protégée, l'œuvre doit être originale.

Dès lors que l'œuvre répond aux exigences légales l'auteur se voit reconnaître deux sortes de droits :

un droit moral : ce droit reconnaît à l'auteur le droit de revendiquer la paternité de l'œuvre, la possibilité de contrôler la destinée de son l'œuvre en s'opposant à toute déformation, mutilation ou autre modification sans son autorisation ;
des droits patrimoniaux : ces droits permettent à l'auteur et à ses ayants droit d'obtenir une rémunération en contrepartie de l'exploitation de son œuvre.

Les auteurs bénéficient de ces droits sans avoir à effectuer un dépôt quelconque de leur œuvre. La simple création d'une œuvre originale suffit à la protéger.

Et toutes les complications

En pratique, il est conseillé de se constituer une preuve de cette titularité en effectuant un dépôt auprès d'un officier ministériel (notaire, huissier) ou …

Les sociétés de gestion des droits des artistes-interprètes

L'Adami gère les droits de l'ensemble des artistes-interprètes (comédiens et musiciens), et plus spécifiquement des solistes ou tout au moins ceux dont le nom figure au générique des productions.
La Spedidam - Société de perception et de distribution des droits des artistes interprètes
La Sacem - Société des auteurs et compositeurs et éditeurs de musique
SDRM, droits de reproduction mécanique
Sorecop et COPIE France, copie privée
Sesam, droits multimédia
Spré, rémunération équitable
Etc…

Procédure de dépôt :

Il faudra remettre à la Sacem, avec les bulletins de déclaration (fournis par la Sacem), un enregistrement sonore, accompagné du texte écrit s'il s'agit de chansons ou les manuscrits de vos œuvres : partition complète, c'est-à-dire mélodie et harmonisation.

Pour les membres d'un groupe, la déclaration des œuvres peut être faite au nom du groupe, il suffit de donner à la Sacem la liste des personnes qui constituent le groupe et de l'informer de toute modification dans sa composition. Cependant, chaque membre devra remettre un dossier d'admission individuel (formulaire de demande d'admission, photos d'identité). Le groupe devra avoir écrit et composé au moins cinq œuvres et justifier d'un début d'exploitation de ses œuvres. Pour les compositeurs de musique électronique, les conditions sont les mêmes, mais parce qu'il est difficile de transcrire ces compositions musicales sur partitions, la Sacem accepte le dépôt des œuvres sur support sonore.

Une fois l'adhésion faite et après paiement des droits d'entrée (121 € en 2011), l'auteur aura l'obligation de déposer toutes ses futures œuvres (l'inscription à la Sacem en tant qu'auteur est donc exclusive), chaque dépôt ayant une durée illimitée et n'entraînant pas de nouveaux droits d'entrée.

Le petit Hic !

Montant des redevances :

Bandes originales (musique de scène)

Le montant dû pour l'utilisation d'une bande originale est de 0, 028 % du salaire de base SYNDEAC par minute de musique enregistrée utilisée et par place disponible dans le lieu de représentation.

Phonogrammes du commerce

Le montant dû pour l'utilisation d'un phonogramme du commerce est de 0,042 % du salaire de base SYNDEAC par minute de musique enregistrée utilisée et par place disponible dans le lieu de représentation.

Les montants mentionnés ci-dessus sont des montants hors taxes

Les déclarations à la SACEM et SACD

15 jours avant la manifestation :

Déclaration préalable du spectacle à la délégation départementale de la SACEM. La SACEM délivrera un contrat général de représentation. La signature et le retour de ce contrat permettent de bénéficier d'une réduction de 20 %.

10 jours après la manifestation :

Envoi à la SACEM de l'état des recettes et des dépenses, accompagné du programme des œuvres diffusées (celui-ci est en principe remis par le chef d'orchestre, le DJ ou l'artiste lui-même).

Règlement de la facture adressée par la SACEM (les droits d'auteurs sont en principe à la charge de l'organisateur et non à celles des artistes qui se produisent). www.sacem.fr

Les déclarations à la SACD

Pour les compagnies :

Dès la naissance du projet de création du spectacle théâtral, il faut demander l'autorisation à l'auteur (ou son ayant droit) via la SACD. Cette demande doit préciser le contexte de cette production (date, durée, étendue territoriale…).

Pour l'organisateur :

Demander l'autorisation à la SACD 1 mois avant la manifestation. Retourner à la SACD dans les 10 jours après la manifestation l'état des recettes et des dépenses. Régler la facture de la SACD dans les délais. www.sacd.fr

Les conséquences

Extrais de "http://www.repaire.net/forums/professionnels-entreprises/183404-utilisation-de-musique-combien-ca.html"

Utilisation de musique : combien ça coute ?

Salut à tous,

Je me permets de vous faire partager mon expérience. Je viens de réaliser un documentaire de 52 min qui sera bientôt diffusé (voir le lien Portail d'informations). J'avais à l'origine, naïvement, mis des musiques du commerce, de différentes époques, qui collaient bien au sujet. Je me disais que je n'aurais qu'à payer les droits et Basta ! Lorsque je me suis mis à chercher les ayants droit pour les demandes d'autorisation, je me suis aperçu de la galère que c'était, et surtout des tarifs prohibitifs qu'on te demande (exemple : 2500€ pour une minute d'un morceau, uniquement pour des diff en France !!!). Après avoir passé pas mal de temps là dessus, comme je suis aussi musicien, j'ai réécrit toutes les musiques de mon film et les ai enregistrés puis insérés dans le documentaire. Comme ça, plus de problèmes de droits. De plus, c'est moi qui toucherait les droits d'auteur à la diffusion. Après mon expérience, si je peux vous donner un conseil, oubliez les musiques connues du commerce. Trouvez des groupes amateurs ou semi-pro, il y en a de très bons !! Car même en ayant un très gros budget, obtenir des droits est un vrai parcours du combattant.

à +

Ludo

Les solutions

Trouvez les perles rares : des musiciens (professionnels ou non) ne désirant pas mettre leur musique en boite (en rendant toute utilisation de leur musique impossible, sans passer par des organismes de perception) et travailler directement avec eux en vu de créer la bande son de votre spectacle.

Les impératifs

Les musiciens ne doivent jamais avoir souscrit auprès de la SACEM, car dès lors, c'est toutes leurs œuvres (passées, présentes et à venir) qui sont soumises à perception auprès de cette organisme puisque l'auteur … aura l'obligation de déposer toutes ses futures œuvres (l'inscription à la SACEM en tant qu'auteur est donc exclusive) .

Si la musique a déjà été éditée en format CD « Compact disque »

Même si une musique provient d'un CD, elle n'a pas nécessairement été déclarée auprès de la SACEM, seule la copie privée auprès de la SDRM (Département des Droits Phonographiques et Numériques) sous le n° ????????/ ? est obligatoire. Dans ce cas vous pouvez rédiger un "CONTRAT DE CESSION DE DROITS D'AUTEUR " directement auprès des musiciens.

La cession de ses droits sur l'œuvre dessaisit l'auteur de son monopole d'exploitation ! La cession des droits de l'auteur peut être réalisée à titre gratuit ou payant, dans ce cas le contrat peut mentionner une « cession » (exclusive ou non) ou un « renoncement » des droit d'auteurs

Dans tout les cas la paternité de l'œuvre reste attachée à l'auteur de manière permanente.

Petit exemple :

Dans le but de protéger les droits de l'auteur sur sa création, le législateur a prévu des dispositions particulières dans le Code de la propriété intellectuelle. Dès lors que les conditions de reconnaissance d'une œuvre de l'esprit sont réunies (originalité de l'œuvre notamment), le droit d'auteur protège non seulement le droit moral de l'auteur mais aussi les droits patrimoniaux portant sur son œuvre.

Ainsi, l'article L.121-1 du CPI dispose clairement que le droit moral de l'auteur sur son œuvre (sa paternité et sa divulgation) est inaliénable. Il s'agit d'une prérogative très forte en faveur de l'auteur qui s'explique par la tradition française qui voit dans l'œuvre la continuation de la personne (contrairement au copyright américain). Concernant les droits patrimoniaux cette fois (c'est-à-dire les droits pécuniaires) l'article L.123-1 du CPI réserve à l'auteur le monopole de l'exploitation de son œuvre : l'auteur peut soit exploiter lui-même son œuvre (la divulguer sur Internet par exemple) soit décider de céder ses droits à un tiers. La cession de ses droits sur l'œuvre dessaisit l'auteur de son monopole d'exploitation (articles L.131-1 et suivants du CPI).

En matière de droit d'auteur, on rencontre encore d'autres singularités qui s'expliquent par le souci constant de protéger la créativité de l'auteur. Ainsi, contrairement à la maxime selon laquelle tout ce qui n'est pas interdit est autorisé, en droit d'auteur, prévaut l'inverse : tout ce qui n'est pas autorisé est interdit. Le choix de cette législation stricte permet réellement d'assurer à l'auteur une protection efficace, au risque de compliquer la tâche des rédacteurs de contrats de cession, toujours sous le coup d'une nullité de la cession.

En vertu de l'article L.131-3 du CPI le contrat de cession conclu entre l'auteur et l'éditeur doit obligatoirement comporter une clause sur les droits cédés : « chacun des droit cédés doit faire l'objet d'une mention dans l'acte de cession ». Ainsi, la clause doit clairement et distinctement préciser tous les droits cédés : par exemple,

droit de mise à disposition ou de distribution
droit d'autoriser la création d'œuvres dérivées.

Si l'auteur s'aperçoit que l'affectation des droits cédés n'est pas celle prévue au contrat il peut demander la nullité de la cession.

EXCLUSIVITÉ OU NON DE LA CESSION

Les contrats de cession peuvent revêtir différentes appellations dans la pratique. On parle souvent de licence d'utilisation. Il s'agit d'un contrat de cession au sein duquel le fournisseur cède à son client le droit d'utiliser l'œuvre ainsi que tous les droits nécessaires à cette utilisation. En principe, une licence d'utilisation n'est pas consentie à titre exclusif. Cela veut dire que le fournisseur peut céder les mêmes droits à plusieurs utilisateurs.

CONTRAT DE CESSION DIRECT DE DROITS D'AUTEUR

Contrat conclu entre

Identifier l'établissement ou la personne qui va exploiter l'œuvre (Nom, adresse), représentée par…. (nom, fonction)

Ci-après dénommé le cessionnaire

d'une part

M/M^me (nom, fonction, adresse)

Ci-après dénommé(e) l'auteur

d'autre part

OBSERVATIONS

– Il faut identifier aussi précisément que possible l'auteur et le cessionnaire des droits. Seul le cessionnaire identifié par ce contrat pourra exploiter l'œuvre.

Article 1. Objet du contrat

Le présent contrat organise la cession des droits de l'auteur portant sur (identifier l'œuvre / les œuvres).

OBSERVATIONS

– Il faut identifier aussi précisément que possible l'œuvre sur laquelle porte la cession. On indiquera par exemple le titre de l'article, de la conférence… – Le contrat peut porter sur plusieurs œuvres mais il faut alors les identifier TOUTES. – En revanche, le contrat ne peut porter sur un ensemble indéterminé d'œuvres ni sur des œuvres futures qui ne pourraient être identifiées.

En effet, le droit français prohibe la cession globale d'œuvres futures. Par exemple, une clause du type « l'auteur cède les droits sur toutes les œuvres créées entre le 1^er et le 31 janvier 2013 » sera sans effet.

Article 2. Cession des droits de l'auteur

L'auteur cède au cessionnaire, pour le monde entier, les droits de reproduction et de représentation, y compris les droits de distribution, d'adaptation, de traduction, de son œuvre pour une exploitation à titre non commercial sur le site internet de (…).

La cession intervient pour la durée des droits de l'auteur telle qu'elle est définie par la législation française et à titre non exclusif.

Les droits cédés comprennent :

pour le droit de reproduction : le droit de reproduire l'intervention de l'auteur, par procédé de numérisation, sur tout support d'enregistrement adéquat, existant ou non à la date de signature du contrat ; le droit de reproduire l'intervention afin de l'insérer en tout ou partie dans le site web de (…) ; le droit de traduire en toute langue l'intervention de l'auteur ;
pour le droit de représentation : le droit de représenter tout ou partie de l'œuvre et de ses éventuelles traductions, par tout procédé de communication au public et notamment par diffusion sur le site web de (…) ;
pour le droit d'adaptation : le droit d'adapter l'intervention de l'auteur afin de l'intégrer au site de (…).

OBSERVATIONS

Cet article est très important car il détermine les usages de l'œuvre par le cessionnaire

Le droit français oblige à faire apparaître dans le contrat, à peine de nullité :

La durée de la cession : elle peut être déterminée librement mais doit obligatoirement être précisée.
Le lieu de la cession : la cession peut intervenir pour le monde entier ou seulement pour certains pays.
Les droits cédés : la cession peut porter sur le droit de reproduction et/ ou de représentation. On précisera également si le contrat permet de traduire ou d'adapter l'œuvre.
Le domaine d'exploitation des droits cédés : on ne peut se contenter de dire que le cessionnaire a le droit de reproduire et représenter l'œuvre. Il faut préciser sur quels supports ces actes d'exploitation auront lieu.

Il faut en outre préciser si la cession intervient à titre exclusif ou non selon que le cessionnaire souhaite être le seul à exploiter l'œuvre ou non.
Il faut apporter beaucoup de soin à la rédaction de cet article car tout acte non expressément autorisé par l'auteur est interdit.

Article 3. Garanties

L'auteur déclare posséder la totalité des droits sur son intervention. Il garantit au cessionnaire la jouissance entière, paisible et libre des droits cédés contre tous troubles, revendication et évictions. Il déclare notamment que son œuvre est originale et exempte de tout emprunt à une autre œuvre susceptible d'engager la responsabilité du cessionnaire.

OBSERVATIONS

– La présence d'un tel article n'est pas obligatoire mais simplement conseillée. – Cette clause de garantie permet au cessionnaire de se retourner contre l'auteur en cas de poursuite pour contrefaçon.

Article 4. Rémunération

La cession des droits de l'auteur est réalisée à titre gratuit.

OBSERVATIONS

Il faut toujours régler la question de la rémunération de l'auteur
La cession peut intervenir à titre gratuit mais il faut alors le dire clairement dans le contrat
Si la cession intervient à titre onéreux, il faut alors fixer la rémunération due à l'auteur Le droit français exige que la rémunération soit proportionnelle au prix payé par le public pour accéder à l'œuvre. Auteur et cessionnaire négocieront donc le pourcentage versé à l'auteur mais pas son assiette.
Par exception, l'auteur pourra percevoir une rémunération forfaitaire, qui sera elle aussi fixée dans le contrat. Un tel forfait pourra notamment être prévu lorsque le public ne paie aucun prix pour accéder à l'œuvre.

Article 5. Effets du contrat

Le contrat prend effet à la date de sa signature.

Fait en deux exemplaires à ….., le …..

L'auteur Le cessionnaire

OBSERVATIONS Le contrat doit être fait en deux exemplaires signés par les parties, l'un étant conservé par l'auteur et l'autre par le cessionnaire.

Un bon scénario…

2012-12-04T12:37:44Z

Un spectacle se compose de différentes parties bien distinctes :

D'un support visuel (marionnettes, acteurs, événements…)
D'un espace scénique …
Et d'un public.

Pour que le spectateur est envie de rester et d'écouter (ou voir ce qui est entrain de se dérouler sur la scène) le mieux est d'adapter votre « scénario » au public auquel vous vous adressez, en respectant quelques règles de bon sens.

C'est une véritable gageure que de vouloir décortiquer et proposer la construction du « scénario idéal » car c'est un métier en soit et je ne suis que novice en la matière, mais je vais tout de même essayer de vous donner quelques pistes.

Si d'aventure quelques scénaristes passaient par cette page, et souhaitaient combler les erreurs ou les lacunes contenues dans le chapitre, je les invite à déposer leurs commentaires ou rectifications dans la rubrique Contact.

Les grands classiques

Les 36 situations dramatiques

Proposée par Georges Polti, c'est un référencement des différentes situations que l'on retrouve déclinées dans tous les scénarios.

la Dramaturgie, d'Yves Lavandier

Et l'immuable loi des « trois actes »

Toute narration, se construit de façon « ternaire » :

Avec un début,
Un milieu…
Et une fin.

Même si cela semble logique, toute la difficulté du scénariste réside dans les « espaces » contenus entre ces 3 petites lignes. De manière plus technique elles se nomment :

Les prémisses ou l'exposition. (1^er acte)
Le développement ou intrigue… (2^e acte)
Et la conclusion ou le dénouement. (3^e acte)

L'exposition est une présentation rapide du (ou des) personnage(s) principal(aux) et de l'univers qui rythme son quotidien. C'est alors qu'intervient un événement ou un drame qui va irrémédiablement modifier le présent de notre héros, l'inciter à réagir. Ce moment qui est appelé l'Élément déclencheur, va l'obliger à se repositionner par des choix nouveaux. C'est à ce moment précis que la véritable histoire va pouvoir commencer.

Le développement est le corps principal de l'histoire, il représente le lieu de toute évolution, lutte et remise en question. Notre « héros », qui est par avance (et convention sociale) l'objet de tous nos transferts, nous entrainera à sa suite dans une série d'aventures et de péripéties dont nous ne ressortirons pas indemne. Cette progression nous mène tout droit à un point de non retour, que l'on nomme couramment le « Climax ». Le drame est le moteur indispensable qui va capter toute notre attention durant le déroulement de (la ou les) scènes, bien sûr il peut y avoir des rebondissements et la fin n'est pas obligatoirement une « happy-end ».

La conclusion clôture le développement, elle définit le nouvel équilibre enfin retrouvé ou les fruits de la lutte après toutes ses aventures. C'est à ce moment là, en tant que spectateur, que nous pouvons regagner notre quotidien, enrichi de cette nouvelle expérience vécue par procuration.

Le synopsis

Le synopsis est un court résumé, une « mise en bouche » capable de définir en un minimum de lignes le spectacle qui va être présenté. Son premier objectif est d'inviter les spectateurs à voir votre pièce. Il doit pouvoir interpeler le lecteur tant sur le thème que sur le sens de votre travail. Pour mieux comprendre les éléments accrocheurs d'un synopsis, je vous invite à en lire un grand nombre sur les jaquettes de DVD ou dans la présentation des programmes télé.

Qu'est-ce qu'un scénario ?

Étymologie (Source Wiktionnaire, le dictionnaire libre ) (1764) De l'italien scenario (« décor de théâtre », puis « description de la mise en scène »), dérivé de scena (« scène »). En français, le mot s'est d'abord utilisé sans accent comme en italien, mais cet usage est archaïque. Le mot désigne d'abord le canevas, le schéma d'une pièce ; il est employé au XIX^e siècle au sens de « mise en scène » et reste jusqu'au XX^e siècle un terme technique de théâtre. L'emploi figuré pour « déroulement selon un plan préétabli » (av. 1850) ne s'est répandu qu'au XX^e siècle, sous l'influence du sens devenu courant (1907, Méliès) qui désigne, au cinéma, la description rédigée de l'action d'un film.

Où trouve-t-on des scénarios

Le scénario est présent dans toutes les pièces de théâtre, films, jeux vidéos, publicités, animations et concours télévisés, mais aussi à tout instant dans nos vies. Bien souvent les comédiens, dont nous faisons tous partie, jouent à « guichet fermé ». De temps en temps des témoins peuvent assister à la scène, ce qui produit des situations plus ou moins cocasses. En général, plus le drame est important, plus il y a de spectateurs.

Les nœuds dramatiques

Tout film, toute histoire, toute vie, contient son lot de « Nœuds dramatiques » ce sont autant de temps forts qui ponctuent l'histoire et permettent au scénario de progresser.

Il existe deux types de Nœuds :

Les majeurs (qui concernent directement les personnages principaux)
Les mineurs (qui concernent indirectement les personnages principaux, ou d'autres événements ou personnages secondaires)

Le personnage

Le personnage ou « personnage principal » est toujours au centre de la scène. Il est la première interface entre l'histoire et le public. Sans lui, il n'y a pas d'histoire ni de processus d'identification. Si le personnage n'est pas bien défini, les spectateurs risquent de se perdre et vous, de perdre les spectateurs. Je dirais que le héros est votre allié, votre confident. Dans le cas de la marionnette, il est également le prolongement de vous même, donc plus vous apprendrez à le connaître, mieux vous le « manipulerez », imposant toujours d'avantage sa présence sur la scène.

Le rythme et les changements de scène

Dans un spectacle de marionnettes, dès l'ouverture du rideau, le spectateur est séduit par la beauté première du décor, des couleurs, ou de l'entrée en scène des premiers personnages (d'autant plus qu'il vient de passer quelques instants dans le noir). Cette rencontre première est le moment privilégié qui donne envie au public, de rester confortablement assis dans son fauteuil pour profiter de la suite du « programme »… …et c'est là que tout se complique, car il est en droit d'attendre « quelque chose » et « ce quelque chose » ne doit pas trop tarder ; et venir le rejoindre…

Il attend d'être définitivement saisi par une performance. Son choix de venir voir votre spectacle s'est fait en fonction d'un synopsis et d'une toute petite photo qu'il espère conforme à ces attentes, si vous y répondez, c'est gagné !

Pour cela, il est très important d'avoir de la ressource technique, tant dans la présence des acteurs (marionnettes), du scénario ou encore des changements de décors. Tout cela peut être accompagné de variations d'éclairages ou de couleurs, pour donner de la profondeur à la scène. Il est bon de ne pas perdre le fil conducteur de l'histoire afin de ne pas égarer vos spectateurs dans des « méandres intérieurs », profiter de vos changements de décors pour rassembler votre public et si votre histoire fait le tour de plusieurs points, organiser votre « excursion » comme une visite guidée. Je compare souvent une pièce de théâtre ou un film, aux tableaux que les aborigènes d'Australie peignent, ils sont à la fois esthétiques, riches en couleurs et initiatiques. Traditionnellement on rentre dans l'image par un endroit, parcourant tout un voyage à l'intérieur du tableau, avant d'en ressortir définitivement transformé.

Le temps et sa contraction

Proposer un scénario, aussi riche soit-il ne pourrait se passer de respiration, c'est comme regarder un film en vidéo cassette en passant tour à tour de l'avance rapide à la vitesse normale ou en lecture lente.

Vous présentez les personnages et leur position initiale, puis arrive l'élément déclencheur qui va précipiter les choses. Si le héros ne maitrise plus rien de la situation, il peut être bon de le manifester par quelques artifices (en général dans les films, la caméra bouge dans tout les sens, tout en multipliant les images et les prises de vue). Dans votre mise en scène, les actions vont devoir se contracter, s'enchaîner très rapidement, un peu comme si vous appuyez sur la touche « avance rapide » de la télécommande de votre magnéto cassette. Passer l'action, le temps doit progressivement ralentir et revenir à la normale.

Plus le rythme était intense pendant l'action, plus sa sortie doit être calme en passant par une « avance au ralenti » avant de retrouver une vitesse de lecture normale. Par ce biais, vous pourrez proposer des moments de pur sérénité, de douceur et de poésie, car ils auront été précédés d'actions suffisamment rapides.

Les dialogues « qui vont bien »

C'est tout un art de trouver la bonne combinaison de mots, de phrases avec seulement 26 lettres. Il y a tellement à dire et pourtant il ne faut retenir que l'essentiel. Pour ma part, je recherche le moyen de traduire l'émotion que je souhaiterais pouvoir offrir au public à la fin d'une scène. (Le sens du silence situé entre chaque partie du spectacle). Le « point de départ » d'un spectacle est variable, puisqu'il est composé de l'ensemble des spectateurs, mais « je sais » (en tout cas je suis supposé le savoir !) vers « où » j'ai envie de les emmener, car ce « où » est l'horizon que j'ai créé pour eux de toute pièce. C'est pour moi, le sens même de la réalisation du spectacle.

Les dialogues « qui vont bien » sont en perpétuelles évolutions, chaque phrase induisant une étape supplémentaire vers la réflexion suivante, les mots précèdent et « ouvrent » l'idée toute tracée, elle-même au service de la vision finale. Dans la rédaction du dialogue, quand une réflexion va trop vite, que le « raccourci » est trop important, je recherche alors des « paliers » en ajoutant des phrases supplémentaires qui définissent la situation et permettent une « décompression ». N'étant pas prédisposé à l'humour, j'aime faire appel à un ami qui dispose de ce talent.

Il ne faut jamais perdre de vue que les mots sont de petites boites rangées les unes à coté des autres, elles sont destinées à former des phrases, le tout matérialise l'idée. C'est elle qui me semble importante, puisque l'on peut même changer l'ordre des lettres pour traduire le texte dans une autre langue sans pour autant en perdre le sens premier. C'est à partir de ce constat que l'on pourra aisément remodeler les mots, les phrases, jusqu'à obtenir la tonalité qui correspond le mieux au style du spectacle.

Le spectateur

Révélateur

C'est certainement le chapitre que j'affectionne le plus, car c'est au spectateur que l'on doit notre statut « d'artiste », tout est pour lui et il rend tout possible. Nous payant par sa reconnaissance, il nous oblige à chercher sans relâche le chemin qui nous conduit au don le plus total. Bien sûr la création existe pour elle même, tant elle pousse à extirper des sentiments encore enfouis, mais présenter une œuvre ou une expression qui puisse devenir référence et relation commune, lui donne son véritable sens. Pour l'artiste, le spectateur est également une « garantie sociale », car il est le miroir qui défini sa création. Sans l'aide de se regard il pourrait, sans même s'en rendre compte, être entrainé vers ce que nos contemporains appellent couramment « la folie ». Tant qu'il est compris, le créateur d'une pièce a la certitude de vivre dans son époque, car les références auxquelles il fait allusion y trouvent un échos.

Unique

La place du spectateur est unique. Il est étonnant de constater à quel point le même spectacle, dans le même lieu, peut varier du tout au tout en fonction du public qui le compose, le faisant vivre et réagir (indépendamment de la performance technique) de manière totalement différente.

Fragile

Une telle disponibilité nous oblige à prendre en considération la fragilité première de tout spectateur. Lorsque le public entre dans une salle obscure, il ne sait jamais à quelle « sauce » il va être « mangé ». Pour lui c'est clair, il vient se divertir ou entrevoir une pensée nouvelle… se rendant disponible et réceptif à la nouvelle aventure qu'il commence. Mais ce n'est plus comme à la maison, il a perdu la télécommande et ne peut pas changer le programme qui se déroule sous ses yeux. Si tout ce passe bien pour lui, c'est super et il vous le fera savoir par la force de ses applaudissements. Mais si le spectacle n'est pas en correspondance à ses attentes, bien souvent il restera discret. Par respect pour les autres personnes présentes, il ne quittera pas la salle, il a payé sa place et veut « connaître » la fin de l'histoire pour être « sûr » et pouvoir affirmer qu'il n'a vraiment pas apprécié la chose (d'autant qu'il n'est peut-être pas venu seul). Il m'est arrivé de vivre une véritable prise d'otage, tant idéologique qu'artistique, dans une toute petite salle de spectacle tellement bondé qu'elle rendait toute sortie totalement impossible ! Ce n'est jamais très agréable.

Je crois fermement que la création artistique (même si elle dénonce des abominations) doit rester au service de l'Homme, l'accompagner dans toute sa dignité et en révéler sa beauté. A ce jour beaucoup trop de réalisations restent tournées vers le sordide et la destruction, leurs réalisateurs n'ayant probablement pas le recul nécessaire pour manifester la véritable place qu'elle devraient occuper : un travail de « création ».

Conclusion…

Avant de prendre (ou reprendre) votre plume et déposer sur papier ou clavier, le fruit de vos réflexions et expériences personnelles… je tiens à vous souhaiter le meilleur dans le don de vous-même.

Voici la petite phrase qui m'est restée présente tout au long de cette écriture, elle ne vient pas de moi et est citée dans une très jolie chanson :
– « La simplicité est la marque des grands » L'innocence (Jacques Higelin 2007).

Si vous êtes à la recherche de plus de détails techniques concernant la construction d'un scénario, voici le lien vers un site tout particulièrement dédié à cet effet. Ce site web, extrêmement bien fait offre de nombreuses réponses et réflexions touchant plus particulièrement au monde du cinéma, j'ai nommé Scénario-Buzz

Un très grand merci à Nathalie Lenoir pour son remarquable travail technique et sa très grande générosité !

Le Polypropylène (PP)

2012-11-14T18:47:57Z

Alors que nous cherchions le « support idéal » pour construire les personnages de notre nouveau spectacle d'ombres chinoises "Histoire d'Ivoire", nous avons pris contact avec une compagnie spécialisée dans ce domaine, la Compagnie du Théâtre des Ombres

Leur réponse est la suivante… Le polypropylène (matériau extrêmement efficace et résistant, pour la conception des ombres chinoises).

Un grand merci à cette compagnie qui nous a partagé ses « secrets de cuisine ». Nous vous invitons à découvrir leur superbe travail, bravo et encore merci.

Le polypropylène, plus rigide que le carton.

Le polypropylène possède une structure beaucoup plus rigide que le carton, donc beaucoup plus résistant aux différentes forces auxquelles il est soumis. Son épaisseur varie de 0,2 mm à 1,8 mm (et +) par plaque de 1,20 m x 0,80 m. Il existe toute une gamme de couleur, transparent, translucide ou opaque.

Le nom de polypropylène me semblait bien barbare et, avant d'en recevoir les premiers échantillons, j'étais loin de me douter qu'il s'agit du même plastique que celui qui compose « les couvertures plastiques, semi rigide » de bon nombre de classeurs ou porte vues.

Comment le coller !

Tout comme les PE, le polypropylène (PP) est quasi-impossible à coller car il reste inerte face aux différentes colles disponibles sur le marché.

Mais, après quelques recherches sur internet, une option est tout de même envisageable, les colles « spécial plastique » muni d'un activateur. Le résultat n'est pas pleinement satisfaisant mais permet tout de même de consolider quelques parties qui seraient trop fragiles. Pour les accroches, un bout de fil de fer remplit parfaitement la fonction souhaitée.

Facile à percer, mais pour le découper…

Pour une découpe précise, certains utilisent un cuter ou un scalpel, notre préférence c'est tournée vers une option qui facilite grandement le travail :

prenez un vieux fer à souder (60 w)
percez le bout de la panne,
fixez-y une lame de scalpel à l'aide d'un boulon et d'un écrou,
serrez bien fort,
branchez le tout sur secteur et utilisez-le…

La chaleur dégagée par le fer à souder facilitera la découpe de la lame de scalpel et évitera les amorces de rupture suite à des risques d'entailles mal placées. Ce système ne dégage aucune fumée incommodante et évite de trop forcer sur la lame qui, en temps normal, s'userait très rapidement.

Le polypropylène présente de nombreux avantages…

Bien que plus cher que du carton, il reste bon marché, indéchirable et très résistant à la fatigue et à la flexion, tout en restant suffisamment léger, inodore et recyclable. Par contre, il devient cassant à basse température.

C'est vraiment super mais…

Un tel produit est extrêmement intéressant dans la mesure ou les personnages et accessoires réalisés sont définitifs et fait pour vivre dans le temps, ne craignent pas l'humidité tout en gardant la précision d'origine. La difficulté de le mettre en œuvre nous éloigne des simples bricolages d'enfants pour s'adresser à des adultes plutôt confirmés, mais rien ne vous empêche de faire quelques tests avec les couvertures de classeurs et de porte vues qui, une fois abîmées, finissent en général leur carrière dans une poubelle.

Voir en ligne : Le théâtre des ombres

Voir aussi : Les ombres chinoises

Les ombres chinoises

2012-02-29T18:28:17Z

Cet article à destination des adultes ou des enfants plus expérimentés vient en complément de la rubrique « initiation à la manipulation d'ombres chinoises »

Ateliers d'ombres Niveau : 1 et 2

Dans les ateliers de création d'ombres chinoises à destination des enfants, les dessins et les formes des personnages sont très épurés, elles permettent une rapidité exécution et une facilité de découpage à l'aide de ciseaux.

Anaïde la sorcière

L'utilisation du cuter permet d'obtenir une très grande précision du trait, les découpes s'en trouvent simplifiés et le résultat augmente en finesse.

Ci-dessous Anaïde la sorcière, extrait du conte : Le château d'Erevan, ou la quête du bonheur, festival de « Saint-Maur en toute(s) Liberté(s) »

Plus le sujet est travaillé et ajouré moins il sera solide, la perte de rigidité peut être compensé par des baguettes de renfort (bois ou fils de fer) directement collées sur la structure. Sur Anaïde l'articulation du bras se fait à l'aide d'un petit écrou muni d'un boulon et de rondelles en métal. Les baguettes qui commandent les articulations proviennent de baleines de parapluie. Voir aussi : « Récup » et recyclage. La fixation des baguettes s'effectue à l'aide d'une boucle de fils de fer collé à même le carton.

Un dragon en vol

Sur ce modèle, la baguette ne sert plus à contrôler l'articulation, cette dernière ne sert qu'a manipuler le personnage (un dragon en vol) Le Semeur de mots. L'articulation des ailes est actionnée par un fils nylon, le mouvement retour s'effectue à l'aide de l'élastique qui se trouve des lors en tension. Une seul main est nécessaire à la manipulation de ce personnage. Pour mieux comprendre le principe de cette articulation vous pouvez regarder le diaporama en bas de page.

NB : Le principe d'écrou, boulon et rondelles d'acier offre l'avantage de la précision, d'un faible frottement entre les pièces de carton et la possibilité de démontage sans risque de casse.

La tête de dragon

La tête de dragon avec « bouche articulé » part du même principe que le dragon en vol,

une seul main pour la manipulation
la bouche est articulée par une cordelette en nylon
le retour du mouvement est rendu possible grâce à l'élastique.

Pour simplifier la manipulation, une poignée de fixation est aménagée à la base du cou. L'ajout d'un petit bout de gélatine donne une touche de couleur.

Pour vous procurer quelques chutes de gélatine, vous pouvez vous rendre au théâtre le plus proche de chez vous et vous adresser au régisseur technique :

demandez des chutes neuves, des restes de découpe qui d'habitude sont jetées à la poubelle.
récupérez les anciens filtres, après quelques heures d'utilisation les couleurs se fanent sous l'action des fortes chaleurs, mais il reste toujours des parties utilisables.
renseignez-vous pour connaître les endroits ou l'on trouve des nuanciers (distribués par les fabricants de filtres gélatines) se sont des échantillons qui possèdent toutes les gammes de couleurs existantes

Voir aussi : Le Polypropylène (PP)

Référencement sur Internet…

2010-12-15T18:35:44Z

Vous cherchez à être visible sur Internet, cet article est peut être pour vous…

Comment être présent sur Internet …

Il est possible d'être présent sur Internet à un prix très abordable tout en étant très bien référencé, donc très facile à trouver ! Cette solution est un véritable « label » de qualité et d'évolutivité !

Pour en savoir plus voir aussi :

Le jour ou j'ai décider de crée un site web, j'ai tout de suite penser à Jacques Pyrat. C'est un ami de longue date qui, depuis que je le connais, a toujours travaillé dans la conception de site web. À force de peaufiner ses concepts, encore et encore, il a crée un outil informatique proche de l'œuvre d'art sur le plans des performance et de la simplicité (pour l'utilisateur et l'internaute bien sûr). J'ai été extrêmement surprit par la qualité et efficacité du site : www.compagnie-skowies.com, bravo Jacques !

Je ne peux que vous recommander d'aller faire un petit tour sur son site

Le grand castelet

2010-12-12T17:08:41Z

Pour la représentation d'un spectacle de marionnette à fils il faut prévoir un espace scénique capable d'accueillir et de faire évoluer les différents personnages, le castelet…

Il était une fois, dans un château…

Un castelet est une mini scène, un petit château adapté aux besoins des marionnettes et qui doit répondre aux contraintes techniques du spectacle présenté.

Plusieurs points sont à prendre en compte :

La taille des marionnettes et leurs déplacements
Le volume et le poids du castelet (monter/démonter)
Le temps de montage et de démontage
La hauteur de « scène » et la visibilité du spectacle
L'implantation des parties techniques
L'entrée en scène et les changements de décors
Les situations particulières

La taille des marionnettes et leurs déplacements

Un castelet doit être proportionnel à la taille des marionnettes, ainsi, des petits personnages trouveront leur place sur une petite scène, ils ne seront pas perdus au milieux d'un grand tout….

Dans ce genre de conception il faut définir les proportions de l'espace scénique, un seul espace ou plusieurs, central ou avec « dépendances » ? Le héros a-t-il besoin de marcher, de visiter d'autres lieux ? Les décors sont-ils fixes, en trois dimensions ou dessinés sur une toile de fond ? Autant de questions qui ne peuvent rester sans réponse et qui définissent l'espace disponible au sol.

Attention, pour les marionnettes à fils, l'espace au sol est inférieur à l'espace que les fils occuperont à la verticale de la marionnette car, comme nous l'avons vu dans l'article sur la croix, la taille de la manette est au moins égale, voire supérieure à la taille du personnage manipulé.

Le volume et le poids du castelet (monter/démonter)

« Plus c'est grand, mieux c'est… » Mais si le castelet ne rentre pas dans le coffre de la voiture… !

Pour un spectacle, en plus du castelet, il faut penser à l'éclairage, à la sonorisation, aux marionnettes, à la boite à outils, aux décors et accessoires, plus les systèmes d'accroches et de rangements… chaque élément représente un poids et un volume supplémentaire. Si la structure de base ne tient pas dans le coffre, la totalité risque de ne pas rentrer dans le véhicule, à moins d'acheter un camion !

Pour une scène, utiliser une planche de contreplaqué suffisamment rigide. Si la scène est très grande, mieux vaut la concevoir en deux parties, avec une charnière ou tout autre système d'accroche rigide. Le must serait de s'en servir comme d'un couvercle pour les boîtes de rangement

(2 utilisations en 1)

Attention : Une planche de bois de moins de 22 mm devra être ignifugée. Lors de représentations en public, vous êtes tenus de prouver que votre castelet répond aux normes en vigueur (indice de classement au feu).

Un castelet « traditionnel » permet de manipuler une marionnette sans être vu, il est supposé vous cacher du public au cours de la manipulation, il doit permettre de dissimuler les marionnettes et tous les accessoires utilisés. Le castelet à lui seul est une véritable gageure.

Comment construire en un temps record, une grande structure résistante, qui puisse également se ranger dans le coffre d'une voiture !

Au début j'utilisais le tout en bois, mais c'était trop fragile alors je me suis tourné vers le métal, cela nécessite d'apprendre à souder mais c'est un vrai plaisir que de fabriquer ses propres pièces. Fini les assemblages à n'en plus finir, une pièce bien conçue s'emboîte ou se fixe par simple clic. En utilisant des profilés de métal, vous réduisez le volume de la structure et augmentez sa résistance mécanique. Pourtant, comme dans toute construction, il faut un point de départ qui soit suffisamment rigide, solide, léger et pliable.

J'ai nommé… le pied de synthétiseur ! C'est la base rêvée pour un bon support de scène, sa hauteur est réglable et le reste de votre castelet trouvera autour de lui sa juste place.

N'oubliez pas que pour rigidifier vos structures, il n'y a rien de mieux que la triangulation !

Toujours dans le rayon des optimisations : les caisses de rangement peuvent servir de support aux armatures, voire de marche pied pour se surélever lors de la manipulation.

Le principe du paravent est également très intéressant, il permet de se cacher du public, il est très léger et ne prend que peu de place une fois plié.

Sur mon dernier castelet, j'ai directement inclus le fronton et l'éclairage entre les enceintes, l'ensemble est modulable et dépend du réglage de la hauteur des pieds d'enceintes. C'est un gros gain de place.

Un temps de montage et de démontage raisonnable

J'ai vu de très beaux castelets, une merveille de construction… mais le montage de la structure ne prenait pas moins de deux jours, le moindre déplacement était long voire impossible sans tout démonter. Le castelet était en bois (contreplaqué) et les fixations se faisaient à l'aide de vis ou de tiges filetées.

Pour qu'une telle structure puisse être amortie, il faudra un grand nombre de représentations, oui mais où ? 6 mètres de large, 5 mètres de profondeur, 3 mètres de haut, seuls les théâtres et les salles polyvalentes peuvent offrir de telles surfaces, mais voilà, qui peut encore se permettre de bloquer une salle durant 5 jours pour une, voire trois représentations d'une heure ? Par expérience, le temps de montage maximum ne doit pas excéder les 4 heures et encore, sous la condition que le tout puisse être déplacé rapidement.

Lors du festival d'Avignon les créneaux horaires sont de 2 voire 3 heures seulement (temps de représentation inclus). Pour le palais de Jonas, notre castelet était entièrement monté dans un coin, avant chaque représentation nous transportions toute la structure en trois parties :

frontons et rampes d'éclairages
espace scénique
sonorisation et tout le reste

et le temps imparti n'était pas de trop. Mieux vaut un spectacle simple et épuré, qu'un grand projet inadapté !

La hauteur de « scène » et la visibilité du spectacle

Les salles de spectacle ont différentes configurations. Certaines sont de plain-pied, d'autres de type « amphithéâtre ».

Toutes ces dispositions ont des avantages et des inconvénients, mais c'est à vous, lors de la conception du castelet, de trouver la solution pour s'adapter à toutes ces configurations. L'estrade proposé est généralement de 1 m, parfois plus petite 40 cm ou plus haute 1 m 20. La seul chose qui importe, c'est que le public ne subisse aucune gène visuelle et qu'il puisse apprécier pleinement la représentation.

L'implantation des parties techniques

Si le marionnettiste s'occupe lui-même de la partie technique, la sonorisation et les programmateurs de lumière doivent se trouver sous la structure du castelet ou en fond de scène, derrière le manipulateur.

La sonorisation

L'idéal est de se munir de micros HF, ils permettront un meilleur rendu des dialogues (derrière des rideaux le son de la voix est souvent étouffé) le micro HF vous évitera de vous entortiller dans des fils supplémentaires.

Qui dit micros dit table de mixage, si la musique n'est pas jouée en direct il est bon de se munir d'une bonne platine CD ou d'un mini disque, le tout connecté à un ampli (2 X 150 watts en intérieur ou 2 X 300 watts si vous donnez des représentations en extérieur) couronné de deux enceintes de puissance équivalente !

Il peut être très pratique de disposer d'une télécommande capable d'ajuster le volume audio en cour de représentation, car à se moment là, impossible de lâcher le personnage.

Attention : Dans le monde de la sonorisation coexiste le « pas cher » et « l'inaccessible »…. mais il ne faut jamais perdre de vue que la qualité de votre sonorisation sera définie par son maillon le plus faible, donc… quel que soit votre choix, il est toujours préférable d'opter pour des connectiques de grandes qualité.

Une bonne platine CD : Si c'est pour un usage interne, un simple lecteur serait suffisant, mais si vous prévoyez de donner des représentations « publiques » ils faut impérativement recourir à une platine munie d'une mémoire tampon, c'est-à-dire un lecteur muni d'un dispositif antichoc. Il est déjà très difficile en cours de représentation de rester concentré sur les marionnettes, les changements de décors, les dialogues et les déplacements, si en plus de cela, il faut se déplacer à pas de loup pour ne pas interrompre le déroulement de la bande musicale…

A défaut et pour dépanner, posez votre platine CD de salon sur une plaque de mousse de 3 ou 4 cm d'épaisseur, cela fonctionne bien et supprimera une grande partie des vibrations.

Le lecteur mini disque, MD : Le mini disque présente les mêmes caractéristiques que les bonnes platines CD, mémoire antichoc, lecture d'une plage en single etc… Il offre un encombrement minimum, même si la mise en route et le contrôle du temps restant sont moins aisés.

Je déconseille les baladeurs MP3, avec une fréquence d'échantillonnage de 8 kHz ou 22 kHz car la compression est trop importante, garder toujours une bande audible de 44,1 kHz, avec des sources d'enregistrement de qualité.

Je porte également votre attention sur l'origine des musiques utilisées. Elles sont presque toutes enregistrées auprès de la SACEM, et donc interdites de diffusion sans en avoir informé l'organisme en question, celui-ci se chargera de vous faire part des droits d'auteur dont vous êtes redevable, même si l'entrée de la représentation « publique » est gratuite ou libre.

L'éclairage

C'est un chapitre qui a déjà été abordé en partie dans le chapitre L'éclairage mais un petit complément s'impose.

Pour avoir une impression de « vrai » théâtre, il faut une véritable rampe d'éclairage, avec des ambres, des bleus, un peu de rouge et quelques couleurs chair, mais comment contrôler tout ce petit monde ? Cela dépend du type de lampes utilisées, pour du 220 volt il existe les blocs de puissance que l'on doit connecter à une console lumière pour créer une programmation c'est donc très pratique mais très cher. La solution serait du côté des

commandes DMX, associées aux éclairages à LED. Ces consoles contrôlent les changements d'éclairage et sont également programmables. Les grands avantages de la LED sont les variations de couleur avec la même lampe (suivant les modèles), leur faible consommation, la durée de vie de ce type d'ampoules et le fait qu'elles ne produisent que peu de chaleur, mais elles comportent deux gros inconvénients, la qualité du faisceau (pas toujours très précis) et le manque de puissance. Il est possible de trouver ces lampes en 12 v ou 220 v. Elles s'intègrent parfaitement dans des « par 16 »

Il y a une autre possibilité qui s'offre à vous (elle n'est pas plus difficile que de signer un gros chèque dans une boutique de sono et lumière) tout en apportant un résultat intéressant, c'est l'auto construction !

Il faut récupérer un transformateur 220/12 v assez puissant (ex :10 VA pour des ampoules halogènes, moins si se sont des ampoules à LED ) et l'alimenter avec un variateur de lampadaire halogène 500w. Vous disposez donc d'une source d'alimentation variable qui, après le transfo sera de 12 v. C'est à ce moment là que votre aptitude au bricolage sera mise à l'épreuve…. Configurer un boitier de commande muni d'interrupteurs on/off commandant chacun une lampe (en solo) ou une configuration complète (multiple). La somme des interrupteurs vous donnera toutes les séquences d'éclairage (6 ou 7 sont en général suffisant). Un petit exemple :

interrupteur 1 on : blanc (fade in) - (fade out)
inter 1 off, inter 2 on : blanc + rouge (fade in) - (fade out)
inter 2 off, inter 3 on : rouge + ambre (fade in) - (fade out)

ou…

inter 2 off, inter 3 on : rouge + ambre (fade in) -
inter 3 on, inter 4 off : ambre + jaune -
Etc…

Avec ce genre de configuration vous pouvez utiliser plusieurs fois les mêmes ampoules, il est possible d'utiliser un éclairage de « transition » alimenté par un autre variateur et connecter à une autre rampe d'éclairage pour ne pas avoir de trop brusque variation lumineuse (si vous n'effectuez pas un noir « fade out » à chaque changement d'ambiance). Je conseille également une majorité d'ampoules blanches munies d'un filtre « gélatine » pour obtenir la couleur souhaitée, les ampoules blanches (50 w max pour les dichroïques halogène) sont moins chères et se trouvent partout, celles en couleur sont plus spécifiques, donc moins facilement remplaçables.

Si vous connectez plusieurs lampes sur une seule rampe (pour réduire le temps de montage lors de l'installation du spectacle) constituez un faisceau de 1 fil par lampe (0,75 carré) + un retour commun (1.5 carré) Cela limitera considérablement la taille du faisceau reliant votre boîtier de commande à la rampe d'éclairage. ATTENTION : UNIQUEMENT POUR UN ÉCLAIRAGE ALIMENTÉ EN 12 V !!!

Ci dessous, un compromis assez intéressant pour un complément d'éclairage en 220v (PC 500 w). En mode « master » c'est un 4 voies qui fait bloc de puissance avec quelques paramètres programmables (fade in/out ), en mode « slave » il peut être couplé en série à une console DMX et se commande à distance.

L'entrée en scène et les changements de décors

Un castelet peut être conçu comme une salle de théâtre, avec un fond de scène, des pendrillons et des rideaux, c'est la formule incontournable du théâtre classique. Les rideaux s'ouvrent et le spectacle commence….

Il est possible de supprimer les rideaux de scène et de jouer uniquement avec la lumière, dans ce cas il est préférable de disposer d'une obscurité complète lors des changements de décors.

L'entrée du premier personnage sur la scène est l'un des moments clef de la représentation, c'est l'instant ou le spectateur passe du monde « réel » au monde de « l'imaginaire » et la marionnette du statut d'objet à celui de héros à part entière, il se doit d'entrer sur scène comme le ferait un acteur, avec son existence et sa personnalité propre. Ce moment de « première rencontre » doit être soigné et crée un effet de surprise propice à capter l'attention du public !

Bien entendu, pour un castelet, le lointain (mur de fond de scène) n'est qu'une planche ou un rideau bien tendu et les murs côté jardin ou cour n'existent pas, c'est le lieu par lequel les marionnettes feront leurs entrées et sorties de scène. Ce passage doit être suffisamment espacé pour permettre le passage aux personnages et les bandes de tissu assez larges pour que l'on ne puisse pas voir les coulisses qui se trouvent derrière.

Si le personnage doit se déplacer et que le décor est une toile de fond, votre héros peut marcher sur place et le décor défiler derrière lui… Tels les premiers trucages du cinéma américain, où le conducteur d'une automobile, trop occupé à discuter avec la jeune et jolie passagère, conduit sans regarder la route ! C'est une technique qui fonctionne depuis des générations.

Il est aussi possible se symboliser les changements de lieu par des bruitages sonores accompagnés d'une variation lumineuse, ou de les matérialiser par une rampe de décor qui évoluera à l'avant ou à l'arrière de la scène. Dans ce dernier cas, un rail pour le déplacement des décors peut être envisageable, la fluidité des déplacements contribuera au réalisme.

Quelle que soit la solution choisie, il est toujours préférable d'avoir recours à des « trucages » pour conserver une scène unique, par exemple un support mobile pour y suspendre la marionnette lors de ces « déplacements », ainsi vous libérez une de vos mains, cela vous permettra de mieux manipuler les décors lors des changements de scène.

Les situations particulières

Dans les situations particulières j'inclurai pèle-mêle :

les ombres chinoises (voir : Écran d'ombres chinoises)
les projections vidéo en fond de scène
les changements de taille des personnages (échelles différentes)
la présence d'acteurs avec les marionnettes
les manipulations à plusieurs mains (deux ou trois marionnettistes)
les manipulations hors castelet
etc…

Toutes ces situations sont très intéressantes car elles ouvrent des horizons nouveaux, elles sont à prendre en compte lors de la conception de votre futur castelet.

Je vous souhaite une très bonne conception et une merveilleuse réalisation.

La croix ou « manette »

2010-11-20T15:36:36Z

La croix ou manette de commande, est l'élément primordial pour bien articuler une marionnette à fils

Je pense qu'il y a autant de types de croix que de modèles de marionnettes à fils, pourtant toutes ne sont pas fonctionnelles…. Pourquoi ?

La croix est le prolongement de la main, elle se doit d'être ergonomique.
Elle doit être adaptée à tous les mouvements de la marionnette.
Être suffisamment simple, avec la répartition des fils bien équilibrée.
Être proportionnelle au personnage et ne pas contrarier ses mouvements.
La croix doit également offrir un mode de réglage rapide, précis et évolutif.

Cela représente beaucoup de contraintes et c'est une gageure que d'avoir la manette « parfaite », car la conception d'un tel outil peut-être aussi complexe que le personnage lui même.

Pour illustrer ce chapitre je m'appuierais sur des recherches déjà effectuées, mais je vous invite à les poursuivre afin d'optimiser votre création !

La croix est le prolongement de la main.

Pour une bonne manipulation il faut avoir la croix bien en main, les angles doivent être arrondis, et bien poncés. J'ai une nette préférence pour le bois car le contact est plus agréable et évite la transpiration.

Pour la manette, deux solutions s'offrent à vous, une manipulation par le haut, (comme on tient un fer à repasser) ou par le dessous (crosse de pistolet).

Par le haut, tout le poids de la marionnette se transfère dans les doigts, mais il est plus facile de changer de main en cours de manipulation, elle offre également une meilleurs dextérité.

Une manipulation par le bas, transfère le poids du sujet dans le poignet. Cette solution est adaptée pour une marionnette de grande taille, donc plus lourde.

Pour ce type de manette je préconise une petite équerre en bois (vous pouvez en trouver dans tous les magasins de bricolage), elle a l'avantage d'être très solide et de comporter les trous nécessaires à la fixation du reste de la manette.

La croix doit être adaptée à tous les mouvements de la marionnette.

Pour un personnage « humain » le centre de la croix est généralement relié à la tête, mais il faut en permettre l'articulation (droite, gauche) et peut être le hochement de tête. Une traverse de bois accrochée sous la croix est très efficace, c'est elle qui recevra les deux fils venant de la tête.

Pour permettre au personnage de regarder vers le bas, une accroche pour les épaules est très intéressante, positionnez une autre traverse de bois selon le même principe, (sous la croix mais un peu plus en arrière de la tête). Une autre option serait de remplacer « les épaules » par un troisième fils accroché au bas de la tête ou à la nuque… (un seul fil central)

Toujours plus en arrière,une accroche pour le dos ou le bas des reins (un seul fil central), pour permettre de pencher le pantin en avant.

En repartant du centre de la croix, un peu plus en avant de la fixation des fils de la tête, l'on peut avoir une commande pour lever la tête (un seul fil central), ce qui n'est pas toujours très esthétique.

Toujours plus en avant arrive la fixation des jambes qui, généralement, se situe aux extrémités de la grande baguette latérale. Pour une meilleure fluidité dans le mouvement de la marche, vous pouvez accrocher une fixation aux genoux et une autre aux bouts des chaussures, si le réglage est précis, quand votre marionnette lèvera le genou, le pied suivra en se relevant légèrement.

Tout à l'avant de la manette, une baguette amovible ou fixe pour les bras, parfois, un simple anneau suffit, là encore tout reste à découvrir et à redécouvrir !

Quelles que soient les options choisies pour votre futur héros, il est impératif que son corps se tienne de lui même, que sa tête, ses bras et ses jambes soient solidaires du buste, idem pour un animal, il doit être une entité à part entière, alors seulement vous pourrez lui donner vie… (il peut y avoir des exceptions techniques, mais elles doivent être volontaires)

La croix doit être suffisamment simple.

Pour pouvoir « manipuler » correctement votre marionnette et donner le meilleur de vous même il faut beaucoup de dextérité, mais aussi des raccourcis de manipulations…

Sur ces photos de manette l'articulation de la tête est bien accrochée en dessous de la croix (traverse de bois au centre), mais l'on peut optimiser sa manipulation en la solidarisant avec une grosse rondelle de bois, ainsi il sera plus facile de saisir cet élément.

Toujours sur ces photos de manette, pour éviter de laisser les fils d'épaules, de cou ou de bas du dos difficilement accessibles, ils est possible de les faire passer dans la grosse boucle à l'arrière de la manette, puis de les fixer sur la grande baguette latérale (bagues situées aux extrémités extérieures), ainsi, tout en tenant la croix de la main droite avec trois doigts, l'on peut avec le pouce (en attrapant le fil qui passe à gauche) baisser la tête du personnage, (action définie comme prioritaire). Pour pencher le personnage en avant, ou le faire s'assoir, nul besoin de chercher le fil (c'est celui qui passe à droite), il suffit de le tirer légèrement avec l'autre doigt et la marionnette s'assoie gentiment.

Ainsi,il est possible de manipuler une marionnette à 11 fils de manière très intuitive et sans s'emberlificoter.

La croix doit être proportionnelle au personnage.

Si les deux pieds d'un personnage sont espacés de 7 cm, la grande baguette latérale (là ou sont connectés les fils des jambes) ne peut pas être moins large, sinon les deux pieds seront tournés vers l'intérieur, la marche sera difficile et les fils risquent de passer devant le visage, voire de bloquer le fonctionnement de la tête. Si cette même baguette latérale ne mesure que 7 cm, les pieds se soulèveront de 3.5 cm au maximum, car l'axe central de la manette doit rester à une hauteur identique…. Pour connaitre la largeur « idéale » de la baguette latérale Il est donc préférable de mesurer la hauteur de lever de jambe souhaitée, multiplier le chiffre obtenu par deux et voir si le tout est réaliste. Il ne reste plus qu'à faire de son mieux dans le cadre d'un usage normal.

Pour la baguette des bras le problème est à peu près identique, toujours des questions d'amplitude. Il est préférable de prévoir un moyen d'accroche pour solidariser les deux parties de cette croix.

L'articulation de la tête et sa précision de mouvement ne sont pas simples non plus, seul le cas par cas peut résoudre ce genre d'énigmes. Des fois, par « hasard » on découvre des horizons nouveaux, cela a été le cas pour la marionnette de Jonas.

La croix doit avoir une résistance mécanique proportionnelle au poids du sujet, plus la marionnette est lourde, plus la croix doit-être résistante et les systèmes d'accroche efficace.

La croix doit avoir un mode de réglage rapide, précis et évolutif.

Concernant ce sujet il y a beaucoup à dire, mais tout d'abord et en guise de prologue :

Éviter les successions de nœuds dans tous les sens : cela parait rapide mais ce n'est ni précis, ni évolutif. Je trouve intéressant de concevoir les systèmes de fixations au fur et à mesure de la fabrication d'une marionnette et de sa croix, car… très rapidement… par suite d'une erreur de conception ou pour des raisons vestimentaires, le démontage partiel ou total s'impose.
Pour faire une marionnette à fil il y a trois éléments, la marionnette le fil et la croix. Les accroches de fils sur le personnage sont quasi permanents, sauf en cas de casse, ou de changement de couleur de fils, l'accroche des fils sur la marionnette doit rester accessible.
Le choix du fil est primordial, entre le coton ou le nylon mon choix est vite fait, Je prends le plus pérenne. Je choisis le fil de pêche et le fil de nylon tressé (attention aux différentes qualités de tressages).
Plutôt que d'énumérer tous tes les mises en œuvre possibles, je préfère vous présenter une série de photos des différents systèmes utilisés, c'est plus rapide et tout aussi efficace !

« Récup » et recyclage

2010-10-11T17:16:17Z

Cet article est une ode à la récupération et au recyclage, ce que j'appelle ma « matière première »

Je vais vous présenter les différentes parties des marionnettes que j'ai construites et qui sont issues du « recyclage écologique » !!!

Comment ne pas commencer par Etamar et Youri, qui sont mes premiers « bébés »…

Les bouteilles plastiques

Pour ces types de marionnettes, je me suis tout d'abord tourné vers les containers de récupération de bouteilles plastiques. En Israël, (c'est là qu'est né Etamar) le règne Coca Cola était incontournable. Il faut dire qu'à cette époque ces bouteilles avaient le fond rond sur lequel était collée une grosse capsule noire, un support qui permettait à la bouteille de tenir verticalement. C'était de la super qualité, le plastique était beaucoup plus épais qu'aujourd'hui, et possédait une résistance mécanique formidable. (eh oui, tout se perd)

Et tout le reste

En me promenant dans les rues de Elat, j'ai trouvé des chutes de tubes PVC, un vieux seau en plastique pour la tête, un bout de gaine (pour enterrer les câbles électriques) en guise de cou et du papier journal en abondance, un reste de grillage à poules et quelques morceaux de bois… J'ai également récupéré chez ma voisine une pelote de laine et quelques habits.

Plus quelques achats

Je crois avoir acheté les vis filetées avec leurs écrous et de l'élastique pour la couture, assurément du fil nylon, un peu de plâtre, de la colle à papier peint, quelques anneaux pour porte-clefs et trois bombes de peinture, bref presque rien !

En ce temps-là, je ne trouvais pas de petites bouteilles de « Badoit » alors je crois avoir pris de l'eau plate style « Evian » pour former les bras d'Etamar.

Boulons « ninstop » pour empêcher le déserrage des parties mobiles, une croix (manette pour diriger la marionnette) plus perfectionnée et des « Converes » aux pieds, Youri a été beaucoup plus gâté, mais il était techniquement identique et le recyclage allait bon train.

Les tubes PVC

C'est à ce moment-là que m'est venue la passion pour les tubes PVC, (voir aussi : Les articulations ) on peut en récupérer partout, ils sont extrêmement solides et se coupent très facilement avec un couteau chauffé au rouge, à la flamme d'un chalumeau ou sur une gazinière. Pour faire un trou c'est la même technique, mais avec un gros clou et une pince. (Attention au plastique fondu, ça brule très fort !)

Les baleines de parapluie

Je passe sur les spectacles d'ombres chinoises puisque les personnages sont en carton, ah si, j'oubliais…les meilleures tringles que j'ai récupérées se trouvent sur les vieux parapluies, vous savez, ceux qui ont des baleines pleines, je ne parle pas de celles qui sont profilées et creuses mais les autres, les vraies. Ces baguettes sont superbes, elles ont même un petit trou au bout pour accrocher la structure en faisant passer un fil de fer fin.

Les tapis de jeux dans le bain

Avec ces petits tapis colorés, on peut réaliser plein de jolies choses, la matière se coupe au cutter et se colle très bien avec de la colle à chaud. Il ne faut jamais perdre de vue que dans un spectacle de marionnettes le poids est le nerf de la guerre.

Les mousses de polyéthylène (PE)

Le spectacle "Le palais de Jonas" a été entièrement conçu en fonction des performances techniques de la mousse de polyéthylène (PE). Avec ce type de matériau, on peut réaliser n'importe quelle structure car la résistance mécanique est exceptionnelle. Le profilé de (PE) est, d'après le fabriquant, 100 % recyclable. Il est souple mais ne se déforme pas et s'assemble à la colle à chaud (c'est la seule qui convienne). Pour les grandes structures (longues et fines), il vaut mieux les renforcer avec une armature de bois ou de métal. C'est un plaisir de façonner cette matière, le résultat ne se fait pas attendre et demeure dans le temps. En cas de casse, un petit coup de pistolet à colle et c'est reparti !

Les cheveux

Une belle coupe de cheveux est un atout majeur pour une marionnette mais où trouver la bonne perruque ?

Il y a la laine façon tapis (sur un grillage à petite maille), le travail est long et fastidieux mais le rendu est bien adapté pour des marionnettes de grandes tailles.

Le tissu à poils longs (type manteau de petites filles) est une alternative intéressante, à défaut vous pouvez toujours recycler les fourrures des vieilles peluches (nounours). Du moment que cela ne ressemble pas à une expédition punitive, je suis sûr que vos enfants vous cèderont la fourrure d'un vieil « animal ».

Il est aussi possible d'avoir recours à des accessoires (type chapeau ou casquette). Pour Jonas, j'ai demandé à ma voisine un petit bout de la crinière de son cheval, la bande de « cheveux » est directement collée au chapeau.